Les finales des concours de chant sont une expérience intéressante à vivre. D’une part, tous les participants sont des gagnants. Dans le cas de l’édition 2023 du concours de chant Queen Sonja, les six chanteurs qui sont montés sur scène le 26 août ont été choisis parmi 521 candidats du monde entier, sans compter que le concours lui-même impose une limite au nombre de chanteurs de chaque pays qu’il autorise à progresser dans la compétition. Ainsi, quel que soit le vainqueur, premier, deuxième ou troisième, il se trouvait déjà dans une position enviable.
Mais bien sûr, il s’agit d’un concours, et les finalistes avaient tous un enjeu. Peut-être rien à perdre, mais indéniablement quelque chose à gagner. Tout d’abord, 50 000 euros. Ensuite, le prestige et le tremplin de carrière que représente le fait d’inscrire son nom dans les livres d’histoire aux côtés d’anciens vainqueurs tels que Maria Motolygina, Kristina Mkhitaryan, Mario Bahg, Sergey Kaydalov et Lise Davidsen, qui se trouve être l’hôte de la finale de 2023. Sans oublier qu’elle a fait forte impression sur la myriade de membres du jury, dont Randi Stene (directeur de l’opéra à l’Opéra national et au Ballet de Norvège), Samuel Gelber (directeur de la planification artistique à l’Opéra national de Washington), Michael Heaston (directeur général adjoint du Metropolitan Opera), Stefan Herheim (directeur de l’opéra au Theater an der Wien), Sophie de Lint (directrice de l’Opéra national des Pays-Bas), Annette Weber (directrice de l’Opernhaus Zürich) et Pal Christian Moe (administrateur et conseiller en matière de casting).
Dans ce contexte, la pression est à son comble et l’événement, aussi bien sportif qu’artistique, revêt une expérience et une tension uniques. L’opéra est synonyme de drame intense, mais la finale d’un concours vocal augmente considérablement la pression. Chaque instant compte et est amplifié.
Préparer le terrain
La finale de cette année s’est déroulée à l’Opéra national de Norvège. Le nouveau bâtiment a été inauguré en 2008 après une décennie de travaux. À l’extérieur, il s’agit d’une structure magnifique et imposante composée de plus de 36 000 pierres de marbre provenant d’Italie. La structure inclinée permet à tous les habitants de la région de grimper au sommet et d’avoir une vue panoramique de la zone portuaire d’Oslo. L’espace a été construit en pensant au public et, en hiver, il est même possible de faire du snowboard sur les flancs de l’opéra. En outre, l’espace est si vaste qu’à un moment donné, la compagnie a pu faire asseoir 5 000 personnes à l’extérieur de la maison pour assister à une représentation en direct de « Carmen » qui se déroulait à l’intérieur de la maison. À titre de comparaison, le Met Opera diffusera en simultané sa représentation d’ouverture de « Dead Man Walking » à un peu plus de 2 000 personnes sur Times Square.
L’intérieur du théâtre présente une structure en bois tout aussi imposante, faite de chêne provenant d’Allemagne et d’Ukraine. Cette structure en bois s’étend jusqu’à l’intérieur de la salle où des panneaux de bois enveloppent tout l’espace. Il a été décrit à la presse et aux médias visitant l’opéra que l’intention était de vous donner l’impression d’être « à l’intérieur d’un instrument ». Et l’acoustique le confirme. Au lieu d’un mur de son et de textures pâteuses que l’on peut entendre dans d’autres théâtres, le son de la scène est clair et détaillé. À tel point que les cuivres peuvent parfois être perçus de manière un peu agressive. Mais cela a également permis aux chanteurs et à l’orchestre de se rapprocher de manière plus intime dans les moments les plus doux et les plus délicats.
Dominant l’ensemble de la salle, un lustre circulaire de 50 mètres carrés est composé de plus de 5 8000 cristaux sculptés à la main, le plus grand de toute la Norvège. Bien qu’il pèse huit tonnes, c’est aussi un réflecteur acoustique.
Les candidats sont restés en Norvège pendant deux semaines, le temps de passer les épreuves et les coachings. L’arrière de la maison est tout aussi impressionnant en coulisses qu’il l’est pour le public qui s’engage dans les espaces tournés vers l’extérieur. Avec plus de 1 000 pièces, « l’usine », comme on l’appelle, dispose d’un jardin central par lequel la lumière peut pénétrer sur le lieu de travail (une exigence légale pour tous les lieux de travail en Norvège). Juste derrière la scène se trouve un espace massif qui peut accueillir jusqu’à cinq productions en même temps et comprend même deux théâtres séparés qui, grâce à l’utilisation de murs insonorisés intégrés, peuvent en fait permettre trois représentations distinctes en même temps (ou une représentation et des répétitions). À cette occasion, l’espace contenait sa production de « Così fan tutte », sa « Belle au bois dormant », une nouvelle « La Traviata » dont la première aura lieu en septembre, et la prochaine production de « Fram ».
Une dernière information intéressante à propos de la maison est qu’il n’y a pas de loges privées. Lorsque la Reine assiste à une représentation, elle s’assoit au premier rang du premier balcon. Mais tout le monde peut acheter des places autour d’elle. Ce fut le cas lors de la finale, où l’arrivée de la Reine après chaque intervalle a été accueillie par une fanfare de l’orchestre et tous les spectateurs debout pour la saluer.
L’éléphant russe dans la pièce
Lors de la représentation proprement dite, James Gaffigan a dirigé l’orchestre de l’opéra norvégien dans la Polonaise d' »Eugène Onéguine » de Tchaïkovski. Je me dois d’évoquer ce sujet en raison de l’une des grandes histoires qui ont précédé la finale du concours. Il y a quelques mois, il a été annoncé que les chanteurs russes ou biélorusses ne seraient pas autorisés à participer à l’édition de cette année. Certains artistes, dont la mezzo-soprano Amria Ostroukhova, se sont opposés à cette décision. La situation la plus litigieuse a sans doute eu lieu lorsque Anastasiya Tartorkina a été éliminée de la compétition, bien qu’elle possède la nationalité allemande. La raison ? Elle possédait également la nationalité russe.
L’intrigue est d’autant plus grande que les Russes et les Bélarussiens obtiennent généralement d’excellents résultats au concours. Depuis 2013, trois des lauréats de la première place sont russes (Kristina Mkhitaryan en 2013, Sergey Kaydalov en 2019 et Maria Motolygina en 2021) ; ajoutez à cela le fait qu’Alexander Roslavets a remporté la troisième place en 2017 et que lors de toutes ces compétitions, à l’exception de l’édition 2015, un Russe ou un Biélorusse a réussi à se classer parmi les trois premiers à chaque fois.
Lors d’une rencontre avec les médias avant l’événement, le directeur exécutif du concours, Lars Hallvard Flaeten, a déclaré que l’organisation estimait qu’il était important de prendre cette décision en raison de l’invasion en cours de l’Ukraine par la Russie.
« Nous pouvons débattre (de la décision). Nous avons été critiqués pour cela. Mais nous nous tenons fermement aux côtés du peuple ukrainien », a déclaré M. Flaeten.
Il est toutefois intéressant de noter que le spectacle ne comportait pas une, ni deux, mais trois pièces russes (toutes de Tchaïkovski) sur les 14 qui ont été interprétées ce soir-là. En revanche, sur le reste du répertoire interprété, cinq étaient en italien (dont une pièce de Mozart et deux de Händel, aucun des deux n’étant techniquement un compositeur italien), deux étaient en anglais (trois si l’on tient compte du fait que la future gagnante Jasmine White a chanté « Iris Hence Away » deux fois au cours de la soirée), une en finnois, deux en français et une en allemand (avec un interlude orchestral de « Tannhäuser » amenant les finalistes sur la scène à la toute fin de la représentation). J’en parle parce que les finalistes ont soumis au jury une liste de répertoires en différentes langues et que ce sont les membres du jury qui ont choisi le programme de la soirée. Le fait que le répertoire russe ait été représenté en deuxième position est peut-être une coïncidence unique et notable.
Crédit photo : Per Ole Hagen
Les finalistes
Parmi les finalistes figuraient trois barytons – les Arméniens Aksel Daveyan et Navasard Hakobyan, ainsi que l’Ukrainien Vladyslav Tlushch ; la mezzo-soprano suédoise Rebecka Wallroth ; le contre-ténor allemand Nils Wanderer ; et la contralto américaine Jasmin White.
Chaque chanteur a eu l’occasion de chanter un air lors de la première partie, puis un second après l’entracte. Je ne vais pas me plonger dans les performances des chanteurs ni les juger, mais ce qui était notable, c’était la différence entre les deux moitiés. Il y avait une certaine tension dans cette première partie, avec plus d’un chanteur prenant du temps pour s’échauffer. Peut-être était-ce dû au choix du répertoire ou à la nervosité. Peut-être les deux à la fois et bien plus encore. La seconde partie a été tout à fait différente, tout le monde semblant plus détendu sur scène. Je n’ai évidemment aucune idée de ce que pensaient les juges, mais au vu de la manière dont les prestations se sont enflammées dans la seconde partie, j’ai l’impression que la compétition a probablement été remportée dans cette première partie.
Au final, White a remporté le premier prix, Daveyan est arrivé deuxième et Wanderer a pris la troisième place. White a interprété « Iris Hence Away » de « Semele » dans la première partie, puis a repris « Weiche, Wotan ! Weiche ! » d’Erda pour sa deuxième sélection. Lorsqu’on lui a demandé, lors de la réunion avec la presse, ce que les jurés recherchaient chez les finalistes, M. Flaeton a répondu ce que la plupart des gens appellent « l’ensemble complet ». Il a fait remarquer que l’opéra était un média de plus en plus visuel et a ajouté que, de ce fait, le jury était composé de metteurs en scène et de directeurs de casting plutôt que de chanteurs. Vous saviez donc que l’artiste qui présenterait « l’ensemble complet », c’est-à-dire une combinaison de puissance vocale et dramatique, dominerait le concours. Avant l’annonce des lauréats, Randi Stene, chef du jury, s’est fait l’écho de ce sentiment en déclarant au public : « Cela a été extrêmement serré. Nous avons donc cherché un lauréat qui possède l’ensemble des qualités requises ».
Et aucune autre chanteuse n’a réussi cet exploit avec autant d’engagement que White. La native de l’Oregon s’est montrée féroce et posée dans les deux morceaux, sa voix puissante pénétrant clairement dans la salle avec une clarté de son et de diction. Elle se tenait peut-être devant un orchestre, mais en tant que spectateur, vous pouviez ressentir les scènes qu’elle habitait. Les autres chanteurs du concours ont tous réussi à créer leurs propres moments d’immersion, mais aucun n’a réussi à vous maintenir dans leur univers dramatique comme l’a fait Mme White.
Daveyan a chanté « Kto mozhet sravnit’sia » de « Iolanta » et « Avant de quitter ces lieux » de « Faust », permettant tous deux au baryton de montrer son élégant legato et son phrasé qui résonnait agréablement dans l’espace. Il en va de même pour Wanderer, qui, à mon avis, a été un peu mis à l’écart avec « This Says The Boy » de « Written on Skin », une pièce atmosphérique que le contre-ténor a livrée avec élégance, mais qui a semblé trop brève pour faire une grande impression. En revanche, Wanderer a eu amplement le temps d’imprimer sa marque avec « Stille amare » de « Tolomeo », mettant en valeur un son puissant et résonnant ainsi qu’une forte sensibilité dramatique.
Parmi les autres solistes, Hakobyan a chanté « Cruda funesta smania » de « Lucia di Lammermoor » et « Ja vas lyublyu » de « Pique Dame », mettant en valeur un timbre doux et une ligne fluide. Wallroth, le plus jeune de l’équipe à seulement 23 ans, a fait preuve d’une solide maîtrise technique dans « Parto, parto » de « La Clemenza di Tito », et d’un legato fluide dans « Flickan kom ifran sin älsklings möte » de Sibelius. Enfin, Tlushch a chanté avec délicatesse et chaleur dans « Or dove fuggio io mai ?… Ah per sempre » de « I Puritani » et a fait vibrer la salle avec une interprétation électrisante de « Ò vin, dissipe la tristesse » de « Hamlet ».
À leurs côtés, Gaffigan s’est révélé un collaborateur souple et réceptif, et l’orchestre s’est montré extrêmement réceptif et à l’écoute des solistes. Il y a eu quelques moments où le chef d’orchestre a été un peu trop zélé dans la façon dont il a poussé l’ensemble (en particulier dans les arias du Bel Canto où la texture semblait un peu épaisse, ce qui représentait un défi unique pour les chanteurs). Mais pour la soirée, l’Orchestre de l’Opéra norvégien a été un participant très dynamique aux débats.
La participation de la soprano Lise Davidsen, qui a remporté le premier prix en 2015, a également été un moment fort. Malgré un léger faux pas lors de son entrée en scène, la soprano s’est montrée énergique et captivante tout au long de la soirée en présentant les participants et leurs arias.
Passionnée par la culture nordique, par la nature, par l’écriture, voici que j’ai réunie mes passions dans ce site où je vous partage mes expériences et mes connaissances sur la Norvège spécialement. J’y ai vécu 2 ans entre 2015 et 2017, depuis les décors me manque, la culture me manque. Bonne lecture.
