L’ouverture animée de l’exposition pop-up « 3 » de la galerie Lights Out à la galerie Frank Brockman à Brunswick. Photo par Ezra Churchill

Je ne me souviens pas avoir assisté à un vernissage comme celui qui a annoncé « 3 », l’exposition pop-up organisée par la galerie norvégienne Lights Out au troisième étage de la galerie Frank Brockman à Brunswick (jusqu’au 2 avril). Je connaissais très bien le travail de deux des quatre artistes de l’exposition (Lynn Duryea et Oliver Solmitz), et j’ai trouvé le travail des deux autres (Lynne Barr et Mark Little) merveilleux et surprenant.

Mais ce qui a différencié ce vernissage des autres, c’est son énergie, qui s’est révélée particulièrement enthousiaste et fraîche, d’une manière un peu juvénile. Cela peut être attribué à l’enthousiasme contagieux des fondateurs de Lights Out – Daniel Sipe, Karle Woods et Reed McClean – et à son effet d’entraînement sur toutes les personnes présentes dans la salle.

Lights Out a vu le jour en 2019 pour, selon sa mission, « connecter les artistes et leurs cercles à une communauté plus large » et « montrer des artistes émergents et établis les uns à côté des autres pour encourager la conversation, la collaboration et la camaraderie ». En d’autres termes, Lights Out ne se préoccupe pas d’eux, mais des artistes.

Leur première exposition a eu lieu dans l’appartement de Sipe, où les lumières s’éteignaient à l’ouverture de l’exposition, d’où le nom de l’association. En février dernier, le trio a acheté l’ancienne usine Tubbs Snowshoes à Norway, d’une superficie de 13 000 pieds carrés, qui, espèrent-ils, accueillera un jour une multitude de petites entreprises, d’organisations locales, d’artistes, de créateurs et d’éducateurs.

Lights Out a surmonté la pandémie en filmant des artistes dans leurs ateliers (leur site web est un trésor de vidéos) et, une fois qu’il a été possible de se réunir en personne, en organisant des expositions temporaires dans des lieux de fortune tels qu’un centre de rachat désaffecté. Vous voyez le tableau. Leur détermination et leur positivité ont imprégné la galerie.

Brian Smith et Ian Ellis examinent l’œuvre de Lynn Barr « Squeezed Between Two Meeting Lines ». Photo par Ezra Churchill

Et devinez quoi ? Les œuvres d’art exposées sont elles aussi fabuleuses. Les sculptures murales de Lynne Barr, originaire de Cornouailles, ressemblent à des cathédrales modernistes ou à l’architecture fracturée du starchitecte Daniel Libeskind, et elles explosent des murs en direction du spectateur. Ces œuvres sont fascinantes. Chacune d’elles possède une ouverture par laquelle on peut voir l’intérieur de la galerie des glaces, où l’on trouve un groupe de saints auréolés, une femme plongeant nue dans de l’eau rose ou une colonne ornée de motifs végétaux dont les fleurs sont en fait une profusion de langues fourchues.

Barr n’a pas caché ses convictions athées, et celles-ci l’aident certainement à surmonter les expériences de peur, de péché et de culpabilité liées à son éducation à la fois catholique et juive (bien qu’elles visent clairement la partie catholique de l’équation). Pourtant, ce serait une erreur de les considérer comme des œuvres antireligieuses destinées à protester contre la façon dont la religion influence tout, de l’éducation à la politique.

À un niveau plus large et beaucoup plus intéressant, elles ressemblent aux architectures complexes de la personnalité, que nous créons et préservons pour nous protéger de nos vies intérieures beaucoup plus vulnérables. L’utilisation de miroirs à l’intérieur peut être interprétée non seulement comme notre confusion interne sur qui et ce que nous sommes exactement, mais aussi comme le fait qu’en fin de compte, peu importe à quel point nous nous distrayons, couvrons ou nions notre vulnérabilité, nous ne pourrons jamais nous échapper à nous-mêmes. Comme le dit le proverbe, « où que l’on aille, on est là ». Réalisées en carton ondulé, ces œuvres sont musclées et puissantes.

L’œuvre de Barr, admet-elle, est influencée par des études d’architecture. Le sculpteur Oliver Solmitz, originaire de Rockland, a lui aussi étudié l’architecture (il est diplômé) et travaille souvent avec du carton ondulé. Pourtant, à première vue, on peut penser que les finalités de ces deux artistes sont diamétralement opposées. Les œuvres de Solmitz, tout en angles droits et en plans orthogonaux, semblent froides et contrôlées.

Pourtant, pour cet artiste, comme pour Barr, la structure n’est qu’un moyen de décrire l’espace intérieur et l’expérience que nous en avons. Comme il le dit dans sa vidéo Lights Out, « Je pense que l’architecture concerne ce qui se passe à l’intérieur… Le bâtiment devrait se développer de lui-même en réponse à ce qui se passe à l’intérieur ». C’est exactement comme cela qu’est née « Assemblage Piece ». Il s’agit d’une sculpture en trois parties, réalisée en bois et composée de dizaines de boîtes ouvertes empilées de manière irrégulière les unes sur les autres. Elle semble directe et rationnelle dans sa dépendance à la géométrie du carré.

En réalité, l’œuvre est née d’un processus totalement spontané consistant à fabriquer une boîte après l’autre et à décider, sur place, de leur emplacement et de l’orientation de leurs perspectives. Pas de croquis, pas de préparation. Nous percevons la spontanéité de sa forme et la façon dont elle provient du processus intérieur de Solmitz, même si elle semble avoir une certaine forme d’ordre logique et d’intention.

Œuvre sans titre d’Oliver Solmitz. Photo avec l’aimable autorisation de l’artiste/de la galerie lights out

Deux nouvelles œuvres murales prometteuses, sans titre et entièrement peintes en blanc, illustrent un autre processus intérieur – l’hésitation constante de Solmitz entre la géométrie formelle (née de son admiration pour des architectes modernistes comme Le Corbusier et des peintres comme Richard Diebenkorn) et les formes organiques du légendaire artisan et fabricant de meubles de Pennsylvanie Wharton Esherick. Dans chacune de ces œuvres, les plans droits et nets attendus de Solmitz encadrent de petites boîtes contenant des morceaux de bois qui ont été, de manière inattendue, fendus de manière irrégulière avec la griffe d’un marteau. Elles rappellent également Louise Nevelson, mais s’en distinguent par la juxtaposition potentiellement dissonante du net et du naturel, qui, comme chez Nevelson, est harmonisée par une couche de peinture monochromatique.

L’œuvre sculpturale en céramique de Lynn Duryea, basée à South Portland, partage l’espace avec l' »Assemblage Piece » de Solmitz. Il s’agit également d’un travail sur l’architecture, souvent sur les structures industrielles des usines, les cheminées, les machines, etc. Depuis des années, Duryea perfectionne ses techniques d’émaillage à couches multiples et il est toujours fascinant de voir comment elles continuent d’évoluer.

Lynn Duryea, « Double Deux #2 » Photo de Steve Mann

Le glaçage magistral des formes totémiques de taille humaine présentées dans cette exposition intrigue l’esprit. De loin, on a l’impression qu’elles sont faites de tôle laminée qui s’est altérée et a rouillé au fil du temps. Mais lorsqu’on s’en approche, même si l’on devine des éléments d’acier ou de feuilles d’argent, on comprend que ce n’est qu’une illusion d’émail, car elles sont toutes en terre cuite.

En outre, ce que j’ai vraiment ressenti en regardant les œuvres de Duryea, c’est leur profond sens du silence et de l’immobilité. Elles ont une présence si forte et si audacieuse que l’on ne perçoit pas tout de suite qu’elles évoquent des produits issus de processus industriels – machines, tuyaux, carters – abandonnés dans des usines désaffectées. Mais lorsque nous nous en apercevons, elles ne semblent soudain plus inanimées, mais dotées d’une sensibilité et d’une vie intérieure.

Ils évoquent ainsi la mélancolie et la gloire fanée d' »Ozymandias » de Percy Bysshe Shelley. Ils peuvent apparaître comme des dieux déchus ou des empires perdus par les ravages et le mouvement incessant du temps. Une œuvre plus petite, « Scoop #4 », est également une merveille d’artisanat. La forme est simple. Mais lorsque l’on se rend compte de la façon dont elle est construite – elle est composée de différentes parties mais se présente comme un ensemble monolithique – et que l’on contemple sa courbe concave à la feuille d’argent, on a l’impression qu’il s’agit d’un objet précieux.

Mark Little, « Tussle » Avec l’aimable autorisation de l’artiste

Enfin, l’artiste Mark Little fait preuve d’une extraordinaire inventivité avec ses constructions murales en forme. Fabriqué à partir d’un matériel artistique des plus improbables – le panneau de fibres structurelles connu sous le nom de Homasote® – Little crée ce qui ressemble à des toiles façonnées. Au départ, il s’agit de feuilles d’Homasote simples, mais de formes diverses, qu’il peint avec une palette de couleurs organiques. Little les découpe ensuite le long de lignes tracées au graphite, puis les réassemble pour leur redonner leur forme initiale.

Pour se rappeler quelle pièce s’attache à quelle autre, il laisse les lettres marquées au crayon de chaque côté de chaque coupe (A s’attache à A, B s’attache à B, et ainsi de suite). Les lignes et les lettres en graphite peuvent faire allusion à des cartes topographiques ou à des patrons de couture.

Ce sont des œuvres très tactiles que vous voudrez toucher. Leurs surfaces en cellulose pressée ressemblent un peu à de la toile, ce qui leur confère une qualité textile. La palette et les motifs terreux de « Semaphore », par exemple, me rappellent le tissu kuba.

« Peekaboo, Golly, Domain et Tears de Mark Little. Photo par Ezra Churchill

D’autres pièces témoignent d’un sens de l’humour ludique. « Peekaboo » et « Golly », par exemple, présentent des formes partiellement découpées dans leurs surfaces, qui sont ensuite peintes dans des couleurs bonbon qui « apparaissent » derrière la couche supérieure. Les œuvres de Little semblent s’inscrire parfaitement dans l’énergie générale de l’exposition. Elles sont intéressantes et belles. Mais elles sont aussi très amusantes.

Jorge S. Arango écrit sur l’art, le design et l’architecture depuis plus de 35 ans. Il vit à Portland. Vous pouvez le contacter à l’adresse suivante [email protected]

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